Análisis-Articulación: “El ángel exterminador” (Buñuel, 1962) y “El malestar en la cultura” (Freud, 1930)

Pareciera ser que los cineastas del tipo de películas llamadas surrealistas realizaran una asociación libre de ideas en un proceso creativo donde lo “irracional” tiene perfecta cabida. El resultado artístico da un conjunto de situaciones y símbolos cuyo significado permanece en un misterio muy seductor. Luis Buñuel era, además de uno de estos cineastas, un amante del misterio y de la renuncia voluntaria del intento de desenmascararlo. Sin embargo, la tentación es muy fuerte y algunos de los que vemos sus obras no podemos evitar el intento de interpretarlas. El análisis que sigue es una de las múltiples lecturas que se le puede dar a uno de sus films, en este caso desde una articulación con el psicoanálisis freudiano, particularmente en base al texto “El malestar en la cultura” (1930). No se pretende elaborar nada parecido a un hipotético diagnóstico, ni verificar una teoría por verla reflejada en una película. Este ejercicio no es más que una interpretación de símbolos parcial, una articulación libre. Aclarado este punto, espero que la interpretación se perciba menos violenta y la pequeña traición a Buñuel pase a ser una simple travesura.

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La película que nos ocupa es “El ángel exterminador” (Buñuel, 1962), en la cual no existe un protagonista como tal. En este caso particular, los personajes funcionan como miembros de una masa protagónica desprovista de conductor. El interés común que une a los individuos de esta masa, caracterizada como “de clase social alta”, es la participación en una cena refinada, de etiqueta. Durante la cena, uno de los camareros tropieza torpemente y cae al suelo, momento en el cual la burguesía (así llamaremos a nuestra masa protagonista) estalla en una carcajada conjunta creyendo erróneamente que la caída había sido preparada por los anfitriones como entretenimiento cómico. La anécdota es vivida con notable goce por parte de la burguesía, lo cual nos aleja de pensar que las risas fueran únicamente causadas por la comicidad física de la caída. Podemos interpretar, pues, que hay aquí un contenido inconsciente reprimido que en ese momento se hubiera manifestado en forma de chiste (Freud, 1905). Es posible conjeturar que hay un placer sádico en la burguesía con respecto a la humillación de la servidumbre, placer que ha de ser reprimido a causa del sentimiento de culpa y angustia que genera (Freud, 1930). Solo se le permite a este contenido manifestarse a través del chiste.

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Uno de los comensales, sin embargo, ha permanecido serio entre las risas y comunica su descontento señalando que a él no le ha hecho ninguna gracia. Preocupada por no agradar a sus invitados, la anfitriona se dirige a la cocina para pedir que se esconda el verdadero chiste preparado. Nunca se explicará al espectador en qué iba a consistir la sorpresa, pero sabremos que se componía de un rebaño de ovejas y de un oso. Por ahora estos elementos posiblemente simbólicos permanecen en absoluta incógnita y sólo avanzando un poco más en la trama podremos darles un sentido particular. El conflicto central de la película se articula un rato después, cuando los asistentes se dan cuenta de que están atrapados en una habitación explícitamente abierta. La causa del encierro colectivo, pues, no es física ni racional. Notamos que hay una imposibilidad práctica de realizar una acción sencilla y cotidiana (abandonar una fiesta) que nos habremos de dar la licencia de calificar como síntoma de un conflicto psíquico de la burguesía. Como “el síntoma proviene de lo reprimido” (Freud, 1932) se hace necesario intentar conocer qué es aquello que está reprimido. Los asistentes permanecen días sin salir padeciendo desesperadamente, como si fueran náufragos o supervivientes completamente perdidos. En este estado de supuesta decadencia, las normas sociales y de convivencia van perdiéndose y los individuos de la masa se comportan progresivamente como animales salvajes. Freud (1930) sostiene que el malestar social se genera por culpa de las propias normas de la cultura, que imposibilitan la realización de las pulsiones que son naturales al hombre. Es desde este enfoque desde el cual podemos pensar el contenido del chiste de los animales escondidos. En el chiste se manifiesta lo inconsciente y en este caso lo inconsciente estaba compuesto por un grupo de animales. La analogía se hace clara si hablamos de una pulsión de placer primitiva, casi animal, que intenta liberarse de las normas del superyo que son las que generan el malestar colectivo.

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Reordenando lo expresado, hay que resaltar que: el conflicto psicológico de la masa protagónica se expresa a través de la imposibilidad de salir de un sitio abierto; que este conflicto tiene que ver con la represión de la cultura del principio de placer; que el inconsciente de la burguesía desearía romper las normas culturales y volver a un estado salvaje animal para satisfacer las pulsiones sexuales y sádicas más humanas (pues como se ha visto en el goce colectivo de la caída del mozo, hay un deseo de humillación del otro propio de una pulsión de muerte dirigida hacia el objeto externo (Freud, 1930)). Hay un rechazo inconsciente al supuesto progreso que se ha generado a través de la cultura, sobretodo en lo que refiere a las prohibiciones de ciertas conductas libidinosas o agresivas, tesis que parece coincidir con la que propone Freud en “El malestar en la cultura” (1930). El hecho de que los burgueses no salgan de la habitación abierta constituye un acto de masoquismo colectivo. La pulsión de muerte destructiva, tan mal vista por una sociedad profundamente moralista, es reprimida y en su lugar deviene autodestructiva. La burguesía participa así de una humillación de si misma, rompiendo sus propios códigos. En la película, cuando los primeros individuos se desvisten en frente de los demás para ir a dormir, una indignada anfitriona le dice a su marido: “estoy segura que cuando recapaciten sobre su conducta se sentirán avergonzados.” Tras lo cual, él responde: “es seguro. Y quisiera poder evitarles ese bochorno. Pongámonos a su nivel.” Dicho lo cual, proceden a desvestirse ellos también. Tal y como expresa Freud (1921), en la masa, lo instintivo y salvaje aflora y se contagia con mucha facilidad. Lo inconsciente se manifiesta a través del colectivo, ya que “el individuo que entra a formar parte de una multitud se sitúa en condiciones que le permiten suprimir las represiones de sus tendencias inconscientes” (Freud, 1921). A medida que avanza la trama cada vez habrán menos conductas reprimidas: incluso los amantes que antes se veían en secreto ahora se besan apasionadamente en público.

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Casi llegando al clímax de la película, el desarrollo fílmico toma un nuevo giro. Un sector de los asistentes culpa al anfitrión de estar conspirando de algún modo en el inexplicable encierro y manifiesta hacia él un deseo de destrucción. “Lo que queremos es terminar con él”, afirman. A lo que una minoría, entre ellos el doctor, se opone. Una refinada dama en decadencia gritará: “Maten al doctor también, por algo se opone”. Freud (1921) escribió que “las multitudes llegan rápidamente a lo extremo. La sospecha enunciada se transforma ipso facto en indiscutible evidencia. Un principio de antipatía pasa a constituir, en segundos, un odio feroz”. Sin embargo, la defensa del doctor jugará un papel importante a la hora de boicotear el inminente linchamiento público del anfitrión. “Piensen antes en las terribles consecuencias de lo que van a hacer. Este vil atentado no será el único. Supone la desaparición de la dignidad humana. El convertirse en bestias.” Llama la atención que vuelva a aparecer el concepto de volver al estado de bestias, a lo que podríamos llamar también la vuelta a la horda primitiva (Freud, 1921). El deseo de eliminar al anfitrión parece estar apelando al recuerdo inconsciente más claramente parricida, aquel que Freud describe en “Totem y Tabú” (1913) cuando los miembros de una tribu deciden asesinar al patriarca de la familia para poder fornicar libremente con las mujeres del mismo totem. Cabe pensar que, sin saberlo, nuestra burguesía protagónica interpreta este razonamiento con tintes edipicos: como el amo (padre) de la casa donde se deben guardar las formas es el culpable de reprimir los placeres del grupo, el problema se soluciona a través de su eliminación (parricidio). Poco después de haber exteriorizado estos deseos de asesinato explícito, el conflicto parece solucionarse. La burguesía es capaz de abandonar el salón y salir al exterior de la misma manera que ha sido capaz de hacer consciente algo que estaba reprimido. Sin embargo, el síntoma regresará como un boomerang, pues el conflicto se repetirá cuando se vean esta vez atrapados en una iglesia, miembros de una masa mayor y aún más encerrada en sí misma.

Referencias:

Freud, S. (1980) El chiste y su relación con lo inconciente. En Obras completas Tomo VIII. Buenos Aires: Amorrortu. 1905.

Freud, S. (1980) Totem y Tabú. En Obras Completas Tomo XIII. Buenos Aires: Amorrortu. 1913.

Freud, S. (1980) Psicología de las masas y análisis del yo. En Obras Completas Tomo XVIII. Buenos Aires: Amorrortu. 1921.

Freud, S. (1980) El malestar en la cultura. En Obras Completas Tomo XXI. Buenos Aires: Amorrortu. 1930.

Freud, S. (1980) Nuevas conferencias de introducción al psicoanálisis. 31ª conferencia. La descomposición de la personalidad psíquica. En Obras Completas Tomo XXII. Buenos Aires: Amorrortu. 1932.

Recomendamos… 5 películas de sutil feminismo

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El ciclo de peliculones que proponemos en esta ocasión rompe con una dinámica muy frecuente en el cine, que es la de tratar a la mujer por sus roles estereotipados. Entendemos que el feminismo (una vez más, entendido como la reivindicación de la igualdad de derechos entre hombre y mujer) es un tema de suma importancia a tratar a todos los niveles, pero en este top 5 no se han incluido películas únicamente de protesta que contengan un discurso explicito y evidente sobre la perspectiva de género, ni de películas que solamente se compadezcan de la mujer, ni que se queden en la simple denuncia del hombre como culpable. Las cinco propuestas abordan la temática de una manera implícita y compleja. Cuando el mensaje es sutil, el film se percibe como mucho más enriquecedor. El cine cumple una poderosa función de aportar en la creación de subjetividades y de imaginarios sociales, y en estos casos podríamos decir que el feminismo transversaliza estos films y al hacerlo se convierten en herramientas transformadoras. La intención de este artículo no es realizar un análisis o comentario extenso de estas películas, sino sugerir algunas pinceladas de ellas para recomendar su visionado.

5) Thelma & Louise (1991) de Ridley Scott

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Seguramente, la más conocida de las cinco. Presentándola brevemente, diré que se trata de una road movie de dos mujeres que deciden tomarse un fin de semana de vacaciones de sus maridos. Los acontecimientos y conflictos ante los que se ven las dos protagonistas harán que el viaje se extienda. El film nos propone una más que interesante evolución de las dos mujeres, que a raíz de las experiencias que viven consiguen transformar sus roles pasivos y dependientes. Así pues, uno de los ejes que trabaja el film es el de la liberación, concepto esencial para pensar el feminismo.

4) “La linterna roja” (1991) de Zhang Yimou

(Título original: Da hong Deng long Gao gao Gua)

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Una joven se convierte, por necesidad, en la cuarta esposa de un hombre propietario de un palacio. En ese palacio se desarrolla toda la trama, que en gran parte consiste en un conflicto de poder entre mujeres por ser “la favorita” del señor, pues éste cada noche elige con cuál de sus esposas pasará la noche, momento en el cual se encienden las luces rojas que decoran la torre de la afortunada y en el cual se obtiene un mejor trato por el resto de sirvientes del palacio. Retrato pesimista pero de gran belleza fílmica que denuncia la condición que ocupa el rol de la mujer. Si bien es cierto que es un film de época, la reflexión se puede perfectamente extrapolar a la actualidad. Ahí reside “lo sutil”.

3) “Las amargas lágrimas de Petra von Kant” (1972) de Rainer Werner Fassbinder

(Título original: Die Bitteren tränen der Petra von Kant)

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Película con un sobresaliente poderío visual, de composición estética desbordante y barroca. Las seis personajes que circulan en el espacio fílmico son mujeres; algunas dominantes, otras sumisas. La propuesta del film nos sumerge en tramas de amor y desamor, servidumbre y libertad. Finalmente, podemos resumirla como una gran reivindicación a la figura de la mujer liberada. La reflexión a través del drama nos empuja hacia la independencia y autonomía emocional. “Las amargas lágrimas de Petra von Kant” es un manjar exquisito para aquellos que disfrutan desglosando el lenguaje cinematográfico a través de sus encuadres y de las metáforas visuales.

2) Trust (1990) de Hal Hartley

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“Trust” teje un retrato pintoresco y ridiculizado de nuestra sociedad actual. La protagonista parte de este mundo caricaturizado donde la mujer es poco más que un objeto sexual y a lo largo del film se le plantearán conflictos donde se le requiere tomar las riendas de su propia vida. La película usa como recurso estilístico un humor cínico muy particular y aprovecha para a través de la tragicomedia cuestionar los roles de la mujer. Todo eso puede o no quedar entre líneas, pues la trama principal se podría definir como el típico “chica-conoce-chico”, pero en este caso nada es “típico”. Huelga decir que el susodicho “chico” también tendrá que lidiar con una sociedad que percibe aplastante.

1) Meek’s cutoff (2010) de Kelly Reichardt

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“Meek’s cutoff”, la única de este ciclo dirigida por una mujer, es una película excelente en el uso de las herramientas puramente cinematográficas. En esta road movie de colonos pioneros en territorio desconocido, la cámara se posiciona constantemente del lado de las mujeres, dejando al espectador fuera cuando los hombres del grupo toman decisiones sin consultar a las mujeres. La directora traza un brillante juego de simbolismos y transformaciones tan interesantes que merecieron un artículo entero para su análisis en este mismo blog.

Recomendamos… 5 películas de Femme Fatales que no sean Cine Noir.

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Las mujeres siempre juegan un rol importante en las películas, hay buenas, malas, mamás, niñas, novias, esposas, abuelas, corajudas, simpáticas, antagonistas, protagonistas, quien acompaña, quien desmiente, quien encrucija, quien resuelve, quien ama, quien odia, vengativas, brujas, sabias, misteriosas, rebeldes, en fin… de todas.

Entre la década de 1930 y 1950 se creó un nuevo género cinematográfico llamado Cine Noir, el cual, una de sus particularidades era el siempre presente personaje de Femme Fatale. Estas mujeres buenas a la vista pero con un motivo que las hace fatales en el fondo fueron un fuerte exponencial de este género, llevando al personaje de la mujer a un poder de lograr las cosas, usando sus atributos e inteligencia.

En esta lista no hablaremos de Cine Noir, pero sí de films en donde las mujeres juegan un papel en el que llegan a donde quieren usando su poder femenino. Femme Fatales.

 

Sympathy for Lady Vengeance (2005), de Chan-wook Park

“Chinjeolhan geumjassi” (Título Original)

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Tercer película de la Trilogía de la Venganza de este director surcoreano, una magnífica obra en la cual la música, los movimientos de cámara y los fuera de campo son esenciales para crear una película con una atmósfera más que violenta pero con un elegancia en sus escenas. En esta película la protagonista, una mujer sumamente inteligente y calculadora planea su venganza, cuida hasta el más mínimo detalle y no le importa lo que tenga que hacer para probar este plato que solo se sirve frío, diría el proverbio chino.

 

Last Tango in Paris (1972), de Bernardo Bertolucci

“Ultimo tango a Parigi” (Título Original)

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Una película sin duda controversial, erótica al tal grado que su director fue acusado y censurado. Un encuentro casual que envuelve a estos dos personajes en juegos y en una relación nunca esperada, llevándolos a escapar de sus realidades. De primera instancia podríamos pensar que Jeanne (Maria Schneider) no es más que una joven sumisa, insegura y tímida ante Paul (Marlon Brando), pero la falta de él hace que evolucione el personaje llevándola a tomar diferentes desiciones. Una película que a pesar de ser dos desconocidos nos envuelve en sus más íntimos deseos, en donde la introspección y los sentirmientos florecen. Gran obra.

 

Antichrist (2009), de Lars Von Trier

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Dentro del género horror Lars Von Trier nos deleita con esta historia tan aterradora y con unos planos que parecen sacados de un cuadro. Con unos personajes excelentemente interpretados, Charlotte Gainsbourg y Willem Dafoe una pareja que decide ir a pasar un tiempo a su cabaña del bosque como terapia para ella, ya que él es un psicólogo y rompiendo las reglas decide ser su terapeuta después de haber perdido a su hijo. La historia detrás es lo que acaba por convertir este film en una locura tan seductora y por unos momentos tan repugnantes, ella sin duda se vuelve en todo lo que jamás querrías tener estando solo en el bosque.

That Obscure Object of Desire (1977), de Luis Buñuel

“Cet obscur objet du désir ” (Título Original)

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Si hablamos de mujeres que le hagan la vida imposible a un hombre, esta es la película por excelencia, último largometraje de Buñuel, nos muestra una historia de amor que termina volviéndose en obsesión por parte de un elegante Mathieu (Fernando Rey) y a primera vista de juegos por parte de Conchita, interpretada por dos actrices (Ángela Molina y Carole Bouquet). El surrealismo y los simbolismos del director no pueden faltar en esta cinta, junto con su humor negro llegas a odiar a Conchita pero sin duda terminas enamorándote de ellas tanto como Mathieu.

In the Realm of the Senses (1976), de Nagisa Ôshima 

“Ai no korîda” (Título Original)

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Una historia basada en hechos reales, Kichizo Ishida abandona a su mujer para irse con su criada Sada Abe en busca del placer absoluto, llena de escenas explícitas, esta pareja solo busca llegar a esos momentos nunca antes vividos, con juegos que corren de un hilo el seguir o dejarse llevar para siempre, es tanto su deseo mutuo que se vuelve una obsesión; esta película llena de erotismo nos muestra como una relación se puede ir transformado hasta la locura. A pesar de sus escenas que muchos podrían considerar pornográficas, el director nos muestra el otro lado de la moneda, con unos planos que muchos no podrán olvidar y la historia de hasta donde pueden llegar dos jóvenes amantes, más que escenas sexuales es una oda al erotismo. No apto para mentes débiles.


Es normal que muchas de las películas traten sobre erotismo ya que es un arma que las mujeres aportan, manejan y usan para conseguir sus cometidos, un arma de doble filo. Muchas lo utilizan sutilmente, otras descaradamente. 

¿Les ha tocado una así?

Recomendamos… 5 Películas en único escenario y a tiempo real

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El cine y el teatro son dos disciplinas obviamente muy ligadas, pero con distintas herramientas. Es cierto que el teatro también hace uso de elipsis y de cambios de escenario. Pero el ciclo de películas propuestas en este artículo hace pensar inevitablemente en esta conexión del cine con el teatro. Cuando hablamos de tiempo real nos referimos a que no hay ningún momento de elipsis, ningún salto temporal. Películas a tiempo real hay muchas y muy buenas, pero pocas que se combinen con el otro ingrediente de la lista: toda la acción transcurre esencialmente en un único escenario. Y remarco “esencialmente” porque en ocasiones hay pequeños fragmentos al inicio o al final del film que sirven a modo de prólogo o epílogo y que suceden en otro espacio. Sin embargo, lo que nos importa es que estamos delante de cinco buenos films que experimentan con una manera desafiante de trabajar el tiempo y el espacio fílmicos.

1) 12 Angry Men (1957) de Sidney Lumet

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12 Angry Men es una obra maestra imprescindible. El guión es muy estimulante y está construido de manera excelente. Se nos cuenta la historia de un jurado popular que debe decidir si sentenciar a un presunto homicida adolescente y condenarlo a la silla eléctrica, pero sólo uno de los doce piensa que puede no ser culpable. La película parte de esta confrontación y el conflicto se intensifica por el tipo de personajes que se nos presentan. A pesar de que uno de los elementos de tensión es el paso del tiempo y las horas sin llegar a una conclusión, es magnífico que no se haya recurrido a ningún tipo de elipsis temporal. Todo argumento y debate es importante para la evolución del film, por lo que de haber habido elipsis el espectador supuestamente se habría perdido información. El espacio también tiene función dramática y casi claustrofóbica. Los personajes tienen que, de vez en cuando, levantarse y mirar por la ventana para recordar qué es la libertad. Película que invita a la reflexión sobre grandes temas y que constituye un gran monumento al pensamiento crítico.

2) Rope (1948) de Alfred Hitchcock

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Hablaré de Rope sólo desde un punto de vista técnico. Hitchcock quiso adaptar una obra de teatro de una manera lo más fiel posible. La acción de esta historia era continua y sin elipsis, así que pensó que el mejor modo de rodarla manteniendo esta idea sería sin ningún tipo de interrupción. Si bien lo ideal para Hitchcock hubiera sido hacer toda la película en un plano sin cortes, esto era físicamente imposible por la necesidad de cambiar los rollos de película. Por eso la película está rodada en un falso plano-secuencia. Es decir, los planos son largos pero se cortan y se montan de manera discreta cuando un personaje pasa por delante de la cámara. Sin embargo, el mérito técnico es fascinante. Hitchcock no renunció a sus ideas de lenguaje cinematográfico a pesar de que la idea de los planos secuencia limitaba la capacidad de expresión a través del montaje. Por ello, la composición “hitchcockiana” y su montaje de encuadre se da a través de los movimientos de cámara. La película está maravillosamente coreografiada, cuidada al detalle. Fueron necesarios múltiples trucos de decorados y paredes falsas que se retiraban conforme la cámara se movía e incluso una maqueta gigante con nubes móviles para representar las vistas del ventanal de manera visualmente creíble tanto por perspectiva como por cambios de luz. Hay que agregar que es además la primera película de Hitchcock a color.

3) Venus in fur (2013) de Roman Polanski

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Otra conexión de teatro y cine. En este caso estamos ante lo que podríamos llamar una película meta-dramatúrgica. El film es una adaptación de teatro que a su vez trata de un director intentando adaptar a teatro una novela. Venus in fur es una comedia irónica, inteligente y seductora. Entretiene y se sostiene perfectamente con sólo dos actores que se multiplican y se mezclan de manera deliberadamente confusa en un abanico más amplio de papeles. Roman Polanski es un cineasta al que parece gustarle realizar sus películas en pocos decorados y sabe cómo explotarlos al máximo. Venus in fur no es una excepción y de hecho plantea una estética muy lograda a partir de la iluminación y los juegos de cámara que exprimen muy bien el espacio y lo reinventan según la progresión dramática.

4) My dinner with André (1981) de Louis Malle

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My dinner with André sucede en un restaurante y se articula en base a una conversación de dos viejos amigos que llevan años sin verse. Es cierto que es una película que propone premisas poco cinematográficas. Prácticamente hay ausencia de conflicto (no es una conversación que juegue con tensiones de poder de ningún tipo) y tampoco hay demasiado juego de lenguaje audiovisual, por lo que alguien podría decir que la experiencia de ver la película sería muy similar a la de leer el diálogo transcrito. Sin embargo, no puedo estar del todo de acuerdo. El guión está escrito por los mismos actores, lo cual sin duda nos da pistas de cómo se ha logrado una naturalidad tan peculiar. La conversación de My dinner with André es fascinante porque, a pesar de no recurrir al interés a partir del conflicto dramático, seduce al espectador y lo convierte en un oyente más en la mesa. Hay, sí, un sutil choque de visiones entre los dos personajes que se escuchan y se comprenden. Hermosa película que nos sirve un buen plato caliente de filosofía cotidiana.

5) Russkiy kovcheg [ Russian ark / El arca rusa ] (2002) de Alexandr Sokurov

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Con Russian ark tenemos un ejemplo en las antípodas del anterior. Aquí el argumento pasa a un segundo plano y predomina un interés estético y técnico de corte mucho más abstracto y experimental. Toda la película está rodada en un impresionante plano secuencia real de más de 90 minutos rodado con una Steadicam. No ha pasado por montaje, así que no se ha recurrido a trucajes de ningún tipo como sí lo han hecho muchas otras para simular un falso plano secuencia (véase Birdman, o la misma Rope que comentamos antes), y no es un plano secuencia cualquiera. La cámara está en constante movimiento, pero hay una búsqueda de composición estética, una coreografía calculada al milímetro con aproximadamente 800 actores figurantes, bailes y orquesta incluida. El espectador, a través de la cámara, se convierte en una especie de espectro onírico que recorre un museo ruso viviente mientras dialoga con un diplomático europeo que nos servirá de punto de referencia a lo largo del film. Los diálogos tienen que ver con el arte, con la historia de Rusia y con su interacción con Europa. En este museo viviente se contemplan pequeñas escenas contenidas en las distintas salas. Hay que decir, por un lado, que es una propuesta despampanante, muy original y con imágenes hermosas. Por el otro lado, si el cine experimental contemplativo no es lo tuyo puedes acabarte durmiendo a la mitad.

Consideraciones finales

No puedo dejar de mencionar una película que dejo fuera del top 5. Tape (2001) de Richard Linklater, que cumple fielmente las premisas de esta lista. Linklater, de hecho, es un cineasta que es un habitual experimentador del uso del tiempo. Ya lo hemos visto con Boyhood (2014) rodada a lo largo de doce años y con otras películas entre la que destaca Antes del atardecer (2004) que sucede a tiempo real y que pertenece a una trilogía de films de personajes que se vuelven a encontrar con el paso de muchos años, años que han pasado tanto para los personajes como para los actores.

También me gustaría mencionar un par de películas que me vienen a la cabeza, pero que lamentablemente no cumplen las dos exigencias de partida. Buried (2010) es un film brillante que juega dramáticamente con la premisa de un único escenario llevada al límite y encierra a su protagonista en un ataúd. High Noon (1952), más conocida como “Solo ante el peligro”, es un western construido a partir del tiempo real como elemento de tensión, con el uso de relojes como herramienta disparadora dramática.

¿Conoces alguna película con único escenario y a tiempo real que crees que debería entrar en el top 5? ¡Deja tu comentario!

Análisis: “Meek’s cutoff” (2010) de Kelly Reichardt

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Presentación

Meek’s cutoff es una de esas películas en las que vale la pena involucrarse. De hecho, es imprescindible ser espectador activo para disfrutarla como se merece. La directora nos propone una película contemplativa. Lenta, pero para nada pretenciosa; minimalista, pero cargada de contenido. El ritmo es el que el film requiere y la recompensa es suculenta. Que empiece el viaje.


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La historia

Antes de meternos en un análisis profundo, refresquemos brevemente los acontecimientos que suceden en el film. Los personajes realizan un viaje colonial a través del desierto guiados por Meek, un conocedor del territorio. Los colonos, en un momento de desorientación y falta de agua, se encuentran con un nativo y en lugar de matarlo como sugiere Meek, deciden apresarlo para que les conduzca hasta algún río cercano. Después de un largo camino y algunos conflictos de poder, el monótono paisaje desértico se rompe y llegan a un lugar con un árbol, pero sigue sin haber rastro del agua. Se plantea el dilema de si mantener la fe en el indio o no. Sin embargo, la incógnita de si los personajes sobreviven, mueren de sed o bien son conducidos a una muerte a manos de los indios no se resuelve y la película parece acabar sin dar respuesta. ¿Final abierto?

Análisis

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Es de destacar que la primera escena nos presente a los personajes cruzando un río, literalmente sumergidos en el agua. Primera ironía, pues este será el elemento que perseguirán el resto de la película. “Meek’s cutoff” nos plantea un viaje que es una búsqueda constante, una supervivencia cargada de épica realista. El drama se teje entre personajes anti-heróicos que a su vez tienen que lidiar con problemas mundanos. Alfred Hitchcock consideraría que los pequeños conflictos que se son muestra están tratados de manera anti-cinematográfica; por ejemplo reparar el eje de un carro para poder seguir avanzando, hecho que lo único que hace es retrasar la acción importante sin aparentemente aportar nada. Sin embargo, Meek’s cutoff utiliza un suspense contemplativo que poco tiene que ver con el suspense Hitchcockiano. La película nos proporciona elementos para sospechar que detrás de este conflicto por la supervivencia hay algo más profundo en juego.

La búsqueda de agua, por un lado, es una excusa para desarrollar toda una serie de conflictos de poder entre los personajes. Por otro lado, también podemos decir que es una búsqueda mucho más trascendental y metafísica. En un lenguaje simbólico y arquetípico, Carl Gustav Jung relaciona el agua con la espiritualidad. ¿Podría ser que el film presentara pistas para suponer que los personajes están abocados en un viaje de búsqueda espiritual? Ya desde el inicio, el niño lee en voz alta, animado por su padre, pasajes religiosos y precisamente las primeras palabras que se pronuncian en la película son estas:

“Te ganarás el pan con el sudor de tu frente hasta que vuelvas a la misma tierra de la cual fuiste sacado, porque polvo eres y al polvo volverás. Y Adán llamó Eva a su mujer porque ella sería la madre de todo ser viviente. Para Adán y para su mujer hizo Dios abrigos de piel y los vistió. Y Dios dijo: Contemplad… el hombre ya es uno de nosotros, pues tiene conocimiento del bien y del mal. No vaya a ser que extienda su mano y también tome del fruto del árbol de la vida, y coma, y viva por siempre. Entonces, Dios el Señor expulsó al ser humano del jardín del Edén para que trabajara la tierra de la cual había sido hecho. Luego de expulsarlo, puso al oriente del Jardín del Edén a los querubines, y una espada ardiente que se movía por todos lados para custodiar el camino que lleva al árbol de la vida.

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No puede ser casualidad, pues, que al final de la película los personajes se encuentren con un árbol. Ese árbol de la vida tiene una carga simbólica muy potente, y es una primera clave para entender mejor un final que puede resultar decepcionante por no dar respuesta al conflicto de supervivencia terrenal. Queda claro entonces que la búsqueda de agua trasciende lo material.

Reafirmando esta idea de lo trascendental, tampoco es para nada casual que a mitad de la película los colonos se encuentren con un yacimiento de oro. Los hombres se llevan la pepita a la boca para morderla y comprobar que es oro. Este acto de morder subraya la idea de contraponerlo al alimento. Otra de las ironías del film. El oro no da vida. Ante la necesidad de agua (lo espiritual, respuesta existencial), el oro (éxito material) es inútil y no alimenta al alma, así que obviamente el grupo continúa su camino. Otros ejemplos se dan a lo largo del film cuando tienen que liberar peso de las carretas (desprendimiento de lo superfluo) o cuando pierden una carreta entera (camino de sacrificios).

Propongo ahora volver atrás. Dijimos que la búsqueda era una especie de excusa para mostrar los conflictos humanos que surgen en el grupo de colonos. Quizá estos conflictos sean realmente los más atractivos del film, más allá de una lectura mística. Sin embargo, ambas cosas están relacionadas, y vamos a tratar estos conflictos como dilemas existenciales.

meek6“Yo soy un pecador, pero él es peor, porque no sabe que está pecando.”

Interesantísima es la figura de Meek. Un tipo carismático que percibimos como curtido en mil anécdotas y aventuras. Tras esa primera impresión, descubrimos que es prejuicioso, manipulador y despiadado. El grupo le escucha por su experiencia, aunque es una experiencia que en ningún momento de la película demuestra ser fructífera. Inculca en los demás, a través de sus historias, su propio miedo hacia los nativos, su propio miedo al otro, a lo desconocido. Los colonos en varios momentos sospechan no solo que Meek no tiene ni idea de cuál es el camino, sino que además podría estar alejándolos deliberadamente de la ruta correcta. Meek, con todo, prácticamente sólo aporta elementos negativos al grupo. El alejamiento de la ruta correcta únicamente puede significar que Meek representa el alejamiento espiritual. Meek es el representante de la política del miedo, de la ignorancia y de las palabras vacías. “El infierno está lleno de Meeks”, por usar una expresión parecida a las suyas y que destaca su conocimiento del inframundo. Meek tiene, simbólicamente, algo de serpiente seductora, de arquetipo de la sombra y de ángel caído. Es el único personaje que en sus atuendos lleva un color que rompe con la gama cromática desértica, y precisamente este color es el rojo. El color de la tentación y del fruto prohibido, del diablo y del infierno.

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La figura del nativo es un enigma no resuelto para los personajes. Es el mensaje incomprendido, el símbolo de la incomunicación. En lectura mística, su presencia tiene más elementos angelicales que demoníacos. El caballo blanco, su primera aparición desde lo alto de una montaña observando ingenuamente al grupo de colonos, su temple pacífico. Al final de la película lleva a los personajes hasta el árbol de la vida, pero este árbol sigue siendo otro enigma. El conflicto que plantea el indígena al grupo tiene que ver con cómo nos ponemos de acuerdo para afrontar la incertidumbre. Cada personaje trata al indígena en relación a cómo aborda lo desconocido.

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Solomon es la figura de la razón. Su nombre también supone una referencia bíblica que no podemos obviar (Salomón, profeta caracterizado por su sabiduría y discernimiento de lo bueno y lo malo). El personaje de la película mantiene optimismo de cara al exterior pero lejos de ser un ingenuo es un escéptico inteligente. No tiene miedo a tomar decisiones, a diferencia del resto del grupo que sí necesita una figura de autoridad. Su humanidad le lleva a perdonar la vida al indio a pesar de las sugerencias de Meek. Él es la figura de la conciencia necesaria para descifrar el enigma existencial.

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Emily es claramente la protagonista del film y expresamente he retrasado su aparición en el análisis. Es una mujer fuerte y de pensamiento independiente con la mala suerte de nacer en una época histórica en la que el papel de la mujer era absolutamente secundario. Este es, sin embargo, un western no solo femenino sino también un gran alegato humanístico y feminista. Entendiendo al feminismo, obviamente, como reivindicación de una igualdad de género.

Si nos fijamos en el punto de vista que nos introduce la cámara, la subjetividad es siempre femenina. El espectador comparte la visión de las mujeres del film. El espectador es en principio un sujeto pasivo, contemplativo de la acción. Las mujeres cumplen ese mismo rol en un grupo dominado por hombres. Al inicio de la película se le hace un juicio a Meek; sin embargo, este juicio es en fuera de campo, pues es un juicio en el que solo participan los hombres. Sistemáticamente este proceso se repite. Cuando los hombres tienen que tomar decisiones, se los muestra en plano general y las mujeres observan desde lejos. Otro ejemplo: la cámara se queda con las mujeres cuando los hombres toman los caballos para buscar agua. Por contra, el ángel… ups, digo, el indígena, sólo será al principio visible para las mujeres (y para el niño).

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Hay otra curiosidad más. Una de las primeras cosas que me sorprendió fue que la película no tuviera un formato panorámico. La imagen es cuadrada, y eso es una decisión tomada expresamente. ¿Por qué, con lo hermosa que es la fotografía de la película, renunciar a un formato que aún haría aprovechar más la belleza del paisaje y el horizonte? La respuesta está en el tipo de sombreros que usa la mujer de la época. El espectador tiene que conectar con ese punto de vista deliberadamente limitado.

Emily será la que proporcione humanidad al trato con el indígena, ofreciéndole comida, agua y reparando su calzado. Su respuesta a lo desconocido es el acercamiento prudente, el intento de comprender y empatizar. Es el punto completamente opuesto al personaje de Meek y esta rivalidad es evidente a lo largo de toda la película hasta el punto en el que podemos decir que no hay ningún momento en el que estén estos dos personajes encuadrados en el mismo plano. Con una importantísima excepción: se les encuandra a los dos cuando Emily le apunta con su rifle, defendiendo al nativo. Este es el momento de quiebre más importante de la película. La mujer toma las armas y cumple un papel activo en el conflicto, Eva domina a la serpiente. Esta es la primera conquista del poder femenino del conocimiento, anteponiéndose a todo lo que dijimos que representa Meek (política del miedo, ignorancia…). Pero incluso a nivel pragmático, es destacable el impacto y la fuerza de la imagen que produce una mujer del año 1845 con la valentía de anteponerse de manera radical ante un hombre como Meek.  

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Cuando se llega al árbol de la vida, la hegemonía masculina está rota. Por el camino, uno de los hombres, el representante religioso, ha desfallecido de sed. Y de hecho ha decidido no beber, lo cual nos habla de su moral fatalista de mártir, de sacrificio cristiano. Una vez el grupo llega al árbol, surge la idea disparatada de volver hacia atrás, una negación a todo progreso. Pero bajo la sombra del árbol de la vida, hay un cambio de tendencia en la toma de decisiones. Esta vez, se genera un diálogo democrático en el que las mujeres también expresan su opinión y se requiere de su participación activa. Solomon, como moderador, es el tipo de hombre que necesita el feminismo para conseguir la igualdad de género y el tipo de hombre social necesario para la victoria de la ética humanista por encima de la ética autoritaria.

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Emily observa al indio alejarse en un último plano de la película que parece preguntarnos… ¿Y tú, espectador, qué opinas? ¿Hacia dónde vamos ahora? Al igual que la mujer ha podido tener una participación activa, el espectador, que estaba subjetivado a ese punto de vista, también ha de despertar de la película y tener un rol activo. Esa es para mí la trascendencia del árbol de la vida, la espiritualidad perdida y su proceso de recuperación. Se puede hablar de final abierto sólo desde un punto de vista anecdótico. Desde un plano existencial, el final de la película es redondo. Tanto encontrar el agua como encontrar la muerte hubiera resultado superficial. El conflicto ya había sido resuelto rato antes, cuando Emily tomó su fusil.

Crítica: “Whiplash” (2014) de Damien Chazelle

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Whiplash es una película cuya gran fuerza la llevan sus personajes principales, Andrew (Miles Teller) y Fletcher (J.K. Simmons); lo hermoso de éstos es su complejidad y cómo van evolucionando durante todo el film.

Andrew, un joven de tan solo 19 años que entra a un conservatorio de música para convertirse en el mejor baterista del país. Fletcher es un autoritario, venerado e impaciente maestro de la escuela que sabe perfectamente lo que quiere crear con sus alumnos, aunque esto signifique tratarlos con un carácter no adecuado, excediendose en casi todo momento y siempre con la humillación presente. Si bien esta fuerza de Fletcher no está presente en todo el film, su talón de aquiles es sin duda, la música. Se muestra vulnerable cuando un ex alumno suyo y gran músico muere o cuando la gente no entienda el porqué de su carácter con sus alumnos.

Cuando vemos el primer contacto de estos dos personajes, Andrew está practicando lo que ama y le apasiona, está disfrutando tocar batería, de querer ser mejor, en ese momento entra Fletcher a la sala de prácticas y con esta introducción del maestro y su carácter podemos ver lo que será Fletcher para Andrew en todo el film.

 Lo complejo comienza cuando el maestro le ofrece a su alumno la manzana, el fruto prohibido, éste sin pensarlo lo toma, la batería cambia de papel, ahora solo es un canalizador de lo grande que quiere llegar a ser Andrew, no el instrumento por el cuál lo logre, empieza a tocar con furia, sin importarle nada solo lograr ser quien quiere ser, un ícono en la música jazz y ser recordado a través de los tiempos. Este mismo carácter influye en su vida personal, tanto con familia, amigos y mujeres. Es una persona impulsiva, prepotente e insistente. Después de la oportunidad que Fletcher le da, cree que es el mejor para ese puesto y no duda en expresarlo.

Entonces, ¿Quién es el antagonista de esta película? ¿Fletcher o el Propio Andrew?

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El guión en un punto me parece forzado, primero en la novatada de las 6:00a.m. se le hace tarde, después en el concurso ¿se le vuelve a hacer tarde? y por si fuera poco ¿olvida sus baquetas? Son demasiadas situaciones no fluidas, con el simple choque hubiera bastado para crear esta atmósfera de forma natural, sin demasiados obstáculos.

Otro punto no creíble es que en esa situación de crisis ¿quién le llama por teléfono? en toda la película no tiene amigos, nadie le habla, por qué alguien habría de preocuparse por él en ese momento si había más bateristas para suplirlo.

No es que crea que es una mala película, me parece que logró su cometido, con un buen final, muchas cosas a interpretación, creo que es lo que más gocé de esta película, los diferentes puntos de vista que se crearon, más no me parece una obra de arte, lo más delicioso de este plato fue lo que comenté al principio, el fondo de sus personajes.

Aun así tiene pequeños errores y para mi en los detalles reside la grandeza.


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Fletcher planeando su venganza le confiesa a Andrew el porqué se comporta así con sus alumnos, solo quiere descubrir al siguiente gran jazzista, a toda costa, tiene la teoría que solo así podrá salir el gran músico de una nueva época, vemos la otra cara de la moneda, es el que une las cuerdas de punta a punta.


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 El final no debió de haber sido de otro modo, Andrew se supera así mismo, supera su carácter, a pesar de la humillación, vuelve; Fletcher al principio no lo acepta pero después de la magistral ejecución de el alumno, termina por dejarlo ser, sabe que encontró lo que buscaba y por supuesto lo que él creó.

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Recomendamos… 5 Películas de Culto

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El cine de culto es arriesgado por definición. Sin embargo, el riesgo es fascinante. Por eso, después de haber hecho algunas reflexiones sobre este tipo de películas, hemos elegido cinco de ellas para recomendar a todo aquel que le guste el particular aroma de lo marginal. Las afortunadas en entrar en esta selecta lista son: “Arrebato”, “The Night of the Hunter”, “Faster, Pussycat! Kill! Kill!”, “The Wicker Man” y “Suspiria”.

A continuación unos breves comentarios de cada una de ellas (sin desvelar sus argumentos).

Arrebato (1979), de Ivan Zulueta

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Arrebato es una indiscutible pieza de culto del cine underground español, enmarcada en su momento en la movida madrileña ochentera. Tuvo un revival en su salida en DVD, pero lo cierto es que su estreno en los cines fue un fracaso de taquilla que terminó de hundir más en la depresión a un autor que ya era habitual consumidor de drogas duras. No volvió a dirigir otro largometraje.

Toda esta atmósfera enfermiza y de caos mental de Zulueta se proyecta de una manera absorbente en el film. Sexo, drogas y cine experimental. Arrebato es incatalogable, una película rompedora que representa un tributo al cine y a sus emociones indescifrables. Intentar hacer una lectura lógica en este trance fílmico es un salto al vacío oscuro y desencajante. Espeluznante y perturbadora, pero por encima de todo Arrebato es una prueba más de que el cine es arte.

The Night of the Hunter (1955), de Charles Laughton

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Lo hermoso de esta película es que llega un momento en donde parece que entras a un cuento de hadas, uno en donde el antagonista es como dicen al inicio de la película “un lobo vestido de borrego”.

Una película clásica casi teatral que juega con las sombras  y la iluminación para generar estas atmósferas fantásticas y a veces inquietantes.

Este film fue un fracaso en taquilla a tal grado que su director Charles Laughton jamás volvió a dirigir; conforme pasaron los años esta película se ganó el prestigio de los espectadores, convirtiéndola en una obra maestra, su impresionante estética, cada plano perfectamente rodado, una fuerza visual deslumbrante, su siniestra trama y sin duda un macabro Robert Mitchum.

Faster, Pussycat! KIll! Kill! (1965), de Russ Meyer

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Esta película dentro del género del Cine Exploitation a cargo del mítico director Russ Meyer es una cinta de pandillas, violencia y sexo; solo que a cargo de tres hermosas y corpulentas go-gos salvajes. En su tiempo este género no era muy valorado, es por eso que con el paso del tiempo empezó a tener renombre y parte de su éxito como película de culto es también gracias a la participación de la exótica y bella Tura Satana.

Este film, que es uno de los primeros de Meyer, no tiene desnudos, frecuentes en sus películas, pero contiene una gran estética y una gran fuerza femenina, esta fuerza es otro de los puntos comunes en sus films, a pesar de que muchos lo tacharon de sexista al final acabaron alabándolo por el poder que generaba a las mujeres sobre los hombres.

John Waters considera es el mejor film de la historia y bueno, en Tarantino podemos ver su clara influencia.

The Wicker Man (1973), de Robin Hardy

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Este film de terror es morboso, extraño y fascinante a la vez; para ese año fue una película bastante arriesgada en varios sentidos, uno de ellos es abordar el tema del catolicismo, jugando y riéndose de él.

Esta cinta empieza a inquietarte desde el arribo del personaje principal a la isla. Llena de cantos, bailes con desnudos, juegos mentales, curiosos personajes de la isla con máscaras; parecen hasta jugar con lo onírico en contra del personaje principal.

A pesar de no ser tan conocido como otros films de culto, hay un festival que se celebra en Escocia que lleva su nombre en honor a la película.

Suspiria (1977), de Dario Argento

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El argumento de esta película de terror es muy simple y, por qué no decirlo, poco original. Pero la historia en realidad no es más que una excusa, pues lo realmente fascinante de Suspiria y lo que la hace especial son todos los condimentos estéticos. De hecho, Suspiria se enmarca dentro de un subgénero de terror de origen italiano; el cine giallo, caracterizado por una violencia explícita tratada de un modo estilizado.

En esta película el tratamiento de los colores y de la luz está trabajado hasta el punto de la abstracción. Es decir, la iluminación no obedece a patrones realistas, sino que busca estetizar una fotografía y unos decorados ya de por sí alucinantes y barrocos. Contrastes cromáticos, luces rojas, azules, verdes o amarillas. La atmósfera de lo irreal se refuerza finalmente con una banda sonora onírica y aberrante. Y por supuesto, impresionantes escenas gore de gran imaginación y estilismo fílmico. Consumir con precaución, pues no es recomendable para espectadores impresionables.